+ America 2

7th July. 2012

+ 特別レクチャー
phases and faces: 実験映画の軌跡/展望 -

2012年7月7日(土)
16:00-18:00
料金1300円+1ドリンク
(レクチャー参加者は19時からFactoryで開催される上映に、1000円+1ドリンクにて参加頂けます。)
@UPLINK ROOM

上映会の前にはアップリンクROOMにて、今回の上映作品を選定した西川智也氏による特別レクチャーを開催致します。「phases and faces:実験映画の軌跡/展望」と題されたこのレクチャーでは、アメリカ実験映画の壮大なる歴史を振り返りながら、現在の先鋭的な作品を広く上映、紹介していきます。映画製作をする方々だけでなく、美術、音楽方面が好きな方々にも是非見て頂きたい、最新の映像芸術作品ばかりです!

今日の映像表現の可能性について考察するまたとない機会となるでしょう。皆様この機会に是非とも上映会と併せてお楽しみ下さい!

[+]代表 牧野貴


西川智也プロフィール
1969年名古屋出身。ニューヨーク州ヴェスタル在住。日本財団のフェローシップを受け、2008年-09年にタイとマレーシアに滞在し、帰国直後に渡米。作家・キュレーター/プログラマーとして国際的な活動を展開する一方でアジア圏における現代映像芸術研究を行う等、今日の映像表現の幅広さを身をもって体験している一人である。現在、ニューヨーク州立大学ビンガムトン校映画学科のの客員助教授を務めている。


- a transition, a new phase: アメリカ実験映画の現在 -

2012年7月7日(土)
開演19:00
料金1300円+1ドリンク
@UPLINK FACTORY Tokyo

ハイビジョン撮影が可能な携帯電話の登場、フィルム生産の中止・減少に伴う現像所の閉鎖・縮小など、映像芸術を取り巻く環境が大きく変わろうとしています。また、イメージフォーラム・フェスティバルの拡大、恵比寿映像祭の成功など、日本の実験映画シーンも大きく変わろうとしています。「a transition, a new phase(転換、そして新しい局面) 」と題したこのプログラムは、近年、海外の実験映画シーンで注目されたアメリカの映像作品で構成しました。紹介する作品は、今年のアナーバー映画祭でKodak/Colorlab Award for Best Cinematographyを受賞したロバート・タッドの『Undergrowth』、昨年、アナーバー映画祭で Gus Van Sant Award for Best Experimental Film を受賞したファーン・シルヴァの『In the Absence of Light, Darkness Prevails』、また今年の transmediale で新作を発表したジェシ・マックリーンの『The Burning Blue』を含む短編8作品です。このイベントが観客の方と実験映画の現在・未来を考える機会になればいいと願っています。(西川)

[program]
The Burning Blue (Jesse McLean, 9 min., Digital Video on MiniDV, 2009)
Undergrowth (Robert Todd, 12 min., 16mm, 2011)
Ghost Algebra (Janie Geiser, 8 min., Digital Video on MiniDV, 2009)
lions and tigers and bears (Rebecca Meyers, 12 min., 16mm, 2006)
Vineland (Laura Kraning, 10 min., Digital Video on MiniDV, 2009)
A Preface to Red (Jonathan Schwartz, 6 min., 16mm, 2010)
The Future is Bright (Jodie Mack, 3 min., 16mm, 2011)
In the Absence of Light, Darkness Prevails (Fern Silva, 13 min., 16mm on MiniDV, 2010)
TRT: 73min


The Burning Blue

ビデオ作品『The Burning Blue』は、大規模なイベントを見物する時に感じる、興奮や恐怖や退屈さ、さらにそれを見逃した時に感じる予想しなかった孤独感を映し出す。また、感情が激しく揺さぶられる瞬間、我々がどのように自分たちを「文化」として観察するかに焦点を置き、テレビを見る事によって得られる一体感や疎外感を表現する 。(ジェシ・マックリーン)

ジェシ・マックリーンの作品は、メディアを通して映し出された人々や、映像を目にする人々に観察される、人間関係や行動心理をさらけ出す。マックリーンの作品はロッテルダム国際映画祭、25 FPS、ヨーロピアン・メディア芸術祭、セントルイス現代美術館、インターステイツ・プロジェクト、PPOW ギャラリーで発表されている。また、今年のアナーバー映画祭では「Ghostly Award for Best Sound Design」を受賞、2010年には同映画祭の「Barbara Aronofsky Latham Award for Emerging Experimental Video Artist」を受賞している。

The Burning Blue” is a video that observes the thrill, terror and boredom found in watching mass spectacles and the unexpected loneliness when you miss them. Concerned with how we, as a culture, watch ourselves, especially in moments of great emotional significance, this video speaks of both the power and the failure of the televised experience to bind us to one another. – J.M.

Jesse McLean’s work is motivated by a deep curiosity about human behavior and relationships, especially as presented and observed through mediated images. She has presented her work at the International Film Festival Rotterdam, the Venice Film Festival, Transmediale, 25 FPS Festival, European Media Arts Festival, Contemporary Art Museum, St. Louis; Interstate Projects and PPOW Gallery. She was the recipient of the Ghostly Award for Best Sound Design at the 2012 Ann Arbor Film Festival, the Overkill Award at the 2011 Images Festival and the Barbara Aronofsky Latham Award for Emerging Experimental Video Artist at the 2010 Ann Arbor Film Festival.


Undergrowth

「視力を失った獣は、獲物として日々を過ごす。」(ロバート・タッド)

羽、葉、花、幹。ロバート・タッドの『Undergrowth』は、盲目のフクロウの視点にそって、森を彷徨い、茂みを這い回り、木に登って森の精と交信する。(DINCA.org)

詩的な映画を作るロバート・タッドはサウンド/ヴィジュアル・アーティストとしても活動し、既成のジャンルにとらわれる事なく、多岐にわたって短編/中編作品を作り続けている。過去20年間にメディアシティ映画祭、サンフランシスコ国際映画祭、ロッテルダム国際映画祭、ニューヨーク映画祭、シネマテーク・オンタリオ、ハーバード・フィルム・アーカイヴ、パシフィック・フィルム・アーカイヴ、パリ・ビエンナーレ等、数多くの国際的な上映会や映画祭でフィルム作品を発表した。また、数々の映画祭アワード、助成金、アーティスト・アワードを受賞している。現在、ボストンにあるエマーソン・カレッジで教鞭をとっている。

“a blind predator dreams through its prey’s eyes” – R.T.

Feathers, foliage, flowers, tree bark. Through the eyes of a blind owl, Robert Todd’s Undergrowth (2011) saunters through the woods, craws under brush, climbs trees and branches, and channels the Great sentient Spirit of the woods. – DINCA.org

A lyrical filmmaker as well as a sound and visual artist, Robert Todd continually produces short works that resist categorization. In the past twelve years, he has produced a large body of short-to-medium format films that have been exhibited internationally at a wide variety of venues and festivals, including the Media City Film Festival, San Francisco International Film Festival, Rotterdam International Film Festival, New York Film Festival, Cinematheque Ontario, the Harvard Film Archive, Pacific Film Archive, and the Paris Biennial. His films have won numerous festival prizes, grants, and artist’s awards. He currently teaches at Emerson College in Boston.


Ghost Algebra
主人公は不安定な空模様の下、屍が散る、偽物の自然が作り出した土地を一人で歩いて行く。彼女は腐敗によって開いた穴から向こう側をじっと覗き、常に警戒している。はかなく、不安定で、心がいつも落ち着かないため、彼女の体は壊れやすい。

『Ghost Algebra』は、ファウンド・オブジェクトや自然の中に存在する物質、再撮影したビデオ映像、医学書のイラスト等のコラージュ素材を使い、「代数学」本来の意味のひとつである「壊れた物を結合する事によって失われた物を復元する科学」を示唆する。(ジェイニー・ガイザー)

グッゲンハイム・フェローであるジェイニー・ガイザーは、実験映画作家、ヴィジュアル/シアター・アーティストとして国際的に知られ、映像のテクスチャーにこだわり、複数の映像を重ねるテクニックを使って、言葉を多用せずに物語性を表現するコラージュ作品を発表している。ガイザーの作品はホイットニー美術館、グッゲンハイム美術館、ニューヨーク近代美術館等の美術施設や、ニューヨーク映画祭、トロント国際映画祭、ロッテルダム国際映画祭等、様々な映画祭で上映されている。作品はニューヨーク近代美術館やニューヨーク公共図書館のドネル・メディアセンター、また多くの大学に所蔵されている。

Under erratic skies, a solitary figure navigates a landscape of constructed nature and broken bones. She peers through a decaying aperture, waiting and watching: the fragility of the body is exposed for what it is: ephemeral, liquid, a battlefield of nervous dreams.

Using found and natural objects, rephotographed video, medical illustrations, and other collage elements, Ghost Algebra suggests one of the original meanings of the word “algebra”: the science of restoring what is missing, the reunion of broken parts. – J.G.

Janie Geiser, a recipient of Guggenheim Fellowship, is an internationally recognized experimental filmmaker and visual/theater artist, whose work is known for its elliptical sense of narrative, its sublime use of superimpositon, and its rich approach to texture and collage. Her films have been screened at numerous museums and prestigious film festivals, including Whitney Museum of American Art, Guggenheim Museum, Museum of Modern Art, New York Film Festivals, Toronto International Film Festival, and International Film Festival Rotterdam. Her films are in the permanent collection of Museum of Modern Art, Donnell Media Center of the New York Public Library, and various universities.


lions and tigers and bears

『lions and tigers and bears』は、人間と共に都市に生息する野生動物と作り物の動物を映し出す。動物達は芸術作品や企業のロゴマーク、またアイコンとしてその姿を見せ、また、思いもかけぬ生物が過酷な都市環境の中でなんとか生き延びている。ペットを飼う事や動物アイコンの使用は、人々が野生生物と一緒に生活したいと願っている事を証明し、都市は逃げて来た生き物達の為に人工の木や洞穴を提供する。(アンドレア・ピッカード、トロント国際映画祭)

レベッカ・マイヤーズは、映像作家/キュレーターとして米国マサチューセッツ州で活動し、彼女の作品は美術館や国際映画祭で上映されている。また、シカゴのオニオンシティ映画祭、ハーバード・フィルム・アーカイヴ、エマーソン・カレッジの為に上映プログラムをキュレートする傍ら、ロバート・ガードナー等のノンフィクション作品を制作する組織「Studio7Arts」のアソシエイト・ディレクターを務める。2008年にHarvard Film Study Center フェロー、2009年にMassachusetts Cultural Council Artist フェローとなった。また「Film Comment」誌が2010年に行った調査では「25 Filmmakers for the 21st Century」の一人に選出された。

lions and tigers and bears focuses on the urban wildlife, both real and simulated, with which we share our cities. The most unlikely creatures somehow survive in a hostile environment, while animals are also invoked in artworks, corporate logos and other icons. Pets and animal icons testify to a human longing for proximity to wildlife, while the urban landscape offers its fugitive creatures artificial substitutes for the tree limbs and tunnels of the wild. – Andréa Picard, Toronto International Film Festival

Rebecca Meyers is a Massachusetts-based film curator and artist whose films screen internationally in festivals and museums. She has programmed film and video for organizations including Chicago’s Onion City Festival, the Harvard Film Archive, and ArtsEmerson, at Emerson College and she serves as Associate Director of Studio7Arts, which produces non-fiction media by Robert Gardner and others. Rebecca was a 2008 Harvard Film Study Center Fellow and a 2009 Massachusetts Cultural Council Artist Fellow and was named one of “25 FILMMAKERS FOR THE 21ST CENTURY” in Film Comment magazine’s 2010 “Best of the Decade” survey.


Vineland

ロサンゼルス地域最後のドライブインシアターで映写されるハリウッド映画は、世界終焉の不安に満ち、荒廃した「シティ・オブ・インダストリー」の夜空に浮かび上がる。鏡に反射した映像など、このシアター内で再撮影された映像は、ラジオから流れる他の映画のサウンドトラックと衝突し、ノスタルジアと疎遠感が交差するところに存在する共通点を明らかにする。(ローラ・クラニング)

ローラ・クラニングが制作する実験的なドキュメンタリー作品は、客観と主観、現実と仮想の狭間を彷徨い、日常に埋もれて隠れている世界を描き出す。クラニングの作品はニューヨーク映画祭、ロッテルダム国際映画祭、Visions du Réel、エジンバラ国際映画祭、ナショナル・ギャラリー・オブ・アート(ワシントンD.C.)等、多くの映画祭や上映会場で紹介されている。また、2010年に「Princess Grace Foundation Film Award」とアナーバー映画祭の審査委員賞を受賞した。2012年には新作がサンフランシスコ国際映画祭の「Golden Gate Award」にノミネートされた。

At the last drive-in movie theater in Los Angeles, dislocated Hollywood images filled with apocalyptic angst float within the desolate nocturnal landscape of the City of Industry. In this border zone, the re-framed and mirrored projections collide with the displaced radio broadcast soundtrack, revealing overlapping realities at the intersection of nostalgia and alienation. – L.K.

Laura Kraning’s experimental documentaries are portraits of secret worlds hidden beneath the surface of the everyday that traverse the border between the objective and the subjective, the real and the imaginary. Her work has screened at festivals and venues including the New York Film Festival, International Film Festival Rotterdam, Visions du Réel, Edinburgh International Film Festival, RencontresInternationales, and the National Gallery of Art. She is the recipient of a 2010 Princess Grace Foundation Film Award, Jury Award at the 2010 Ann Arbor Film Festival, and Golden Gate Award nomination at the 2012 San Francisco International Film Festival.


A Preface to Red

海を渡って大陸に着いた後、鮮やかな色の玩具や真白なスニーカーを売る人々であふれる船着場を通り抜け、その先のトンネルでサウンドトラックを録音した。きっと、周囲の動きの小さな変化を探していたのだと思う。(ジョナサン・シュウォーツ)

ジョナサン・シュウォーツは主にフィルム作品とサウンド作品を制作する。家庭で録音された音源、旅の記録映像、コラージュ素材、誇張したサウンドトラックを使って作られた作品は、ニューヨーク映画祭、ロンドン映画祭、トロント国際映画祭、メディアシティ映画祭、ロッテルダム国際映画祭など、数多くの映画祭で上映され、またハーバード・フィルム・アーカイヴやパシフィック・フィルム・アーカイヴ等のシネマテークでも紹介されている。

A single recording, recorded in a tunnel that one passes through after exiting a boat taking you from one continent to another, where people are selling bright colored toys and bright white sneakers. for the brief variations in the movement on the periphery. – J.S.

Jonathan Schwartz works primarily in film and sound. He has made works culled from family audio recordings, travels, collage materials and exaggerated sound recordings, and his works have been screened at numerous film festivals, including New York Film Festival, London Film Festival, Toronto International Film Festival, Media City Film Festival, and International Film Festival Rotterdam, along with other venues, including Harvard Film Archive and Pacific Film Archive.


The Future is Bright

韻はあなたの唇のため
歌はあなたの心のため
いつでも歌えるように
たとえ世界が崩れても

ジョディ・マックは2007年にシカゴ美術館附属美術大学芸術修士号(MFA)を取得し、動画作家/映像キュレーターとして活動する傍ら、動画芸術の歴史を研究し、現在、ダートマス大学で教鞭をとっている。作品はコラージュ技法を使用したハンドメイド・フィルムで、抽象/絶対アニメーションのテクニックや構成方法と劇映画の制作手法を組み合わせ、グラフィックとストーリーの関係や、美術形式と作品意図の間に引き起こる、緊張した均衡状態について探求する。

‘Tis a rhyme for your lip
And a song for your heart
To sing it whenever
The world falls apart – J.M.

Jodie Mack is an independent moving-image practitioner, curator, and historian-in-training who received her MFA in film, video, and new media from The School of the Art Institute of Chicago in 2007 and currently teaches animation at Dartmouth College. Combining the formal techniques and structures of bstract/absolute animation with those of cinematic genres, her handmade films use collage to explore the relationship between graphic cinema and storytelling, the tension between form and meaning.


In the Absence of Light

「ああ、海の女神よ! 偉大なる力、強さ、そして知性・・・ そのこの上無い富を私にも分け与えたまえ・・・ あなたからほとばしる優しいメロディーに包まれながら・・・」(海の女神イエマンジャへの祈りより)

様々な国を旅するファーン・シルヴァによる、繊細かつ壮大な本作品は、多種多様なイメージを使い、説得力のある映像を映し出す 。観客は、宇宙のリズムに反する文明の中で瑞々しい生命が干涸びていく様子を目にする事になる。(ロッテルダム国際映画祭)

ファーン・シルヴァが制作した数多くのフィルム、ビデオ、映像パフォーマンス作品は、ベルリン国際映画祭、ロッテルダム国際映画祭、ニューヨーク映画祭、アナーバー映画祭、イメージズ・フェスティバル、アンソロジー・フィルム・アーカイヴ、ウェクスナー・アートセンター、MoMA P.S.1コンテンポラリー・アート・センター等、様々な映画祭、画廊、美術館、シネマテークで紹介されている。作品は旅映像を元に制作され、時間と空間が移行する様子を個人的且つその場限りの出来事として描き出す。シルヴァはマサチューセッツ・カレッジ・オブ・アートとバード・カレッジで芸術と映画制作を学び、現在はニューヨーク州ブルックリンに活動する。

“O mother of waters! Great is your power, your strength, and your light…Let your greatness be the greatest wealth you dispense to me…surrounded by sweet melodies springing from your own self…” –prayer to Iemanjá

Subtle, spectacular cinema in which cosmopolitan filmmaker Fern Silva creates a convincing, eclectic hotpot from various images. The fruits of life desiccate in front of our very eyes in a civilisation out of stepwith the rhythm of the cosmos. – International Film Festival Rotterdam

Fern Silva has created a body of film, video, and projection work that has been screened and performed at various festivals, galleries, museums and cinematheques including Berlinale, Rotterdam, New York, Ann Arbor, and Images Film Festival, Anthology Film Archive, Wexner Center for the Arts and MOMA P.S.1. His work emerges out of travel, presenting temporal and spatial transitions as conduits into the realms of the personal and ephemeral. He studied Art and Filmmaking at the Massachusetts College of Art and Bard College and is currently based in Brooklyn, NY.

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